ستيف رايش، المؤلف الأمريكي الشهير، يعتبر أحد أعمدة الموسيقى التجريبية والمينيمالية. على مدى أكثر من ستة عقود، استطاع رايش من ابتكار وتطوير أنماط موسيقية مترابطة تُعبر بوتيرة نبضية تجسد جوهر التجربة الإنسانية. في سن الثامنة والثمانين، لا يزال ستيف متعطشاً لكتابة المزيد من الموسيقى، ويستعد لإطلاق عمل جديد بمناسبة قرب بلوغه التسعين. في هذه المقالة، نغوص في مسيرته الفنية، ونستكشف تأثيره العميق على عالم الموسيقى، وكيف تمكنت أعماله من تجاوز الحدود التقليدية الكلاسيكية، من خلال دمج النبضات والإيقاعات في نسيج موسيقي فريد. سنتعرف أيضاً على آرائه وتجاربه الأخيرة كما يشاركنا تفكيره حول كيفية تطور الزمن وأهميته في عالمه الموسيقي.
الفنان ستيف رايش: نظرة على تأثير الإيقاع
ستيف رايش، الملحن الأمريكي الذي يعتبر واحداً من رواد الموسيقى الحداثية، قد نجح في تطوير مفاهيم جديدة في تركيب الإيقاع والمزج بين الأنماط الموسيقية على مدار أكثر من ستة عقود. إن عمله يعتمد بشكل كبير على مفهوم الإيقاع، حيث يشبه هذا الإيقاع القوة الأساسية التي تمثل العمود الفقري لإبداعاته. خلال مسيرته الفنية، قدم رايش أساليب جديدة تشمل الألحان والترتيبات التي تلامس روحية الإنسان، حيث يربط بين الإيقاع والعواطف البشرية، مما يجعل أعماله تأخذ بعداً آخر تتجاوز فيه حدود الموسيقى التقليدية.
ىعتبر الإيقاع في موسيقى رايش كالأكسجين الذي يتيح الحياة لموسيقاه، وفي معرض حديثه عن هذه الفكرة، أوضح أنه يستلهم من أنماط بسيطة كجملة موسيقية مثل “Row, Row, Row Your Boat” لخلق متاهة معقدة من الألحان. من خلال استخدام تقنيات مثل “phasing” التي طورها بنفسه، والتي تتمثل في انزلاق الألحان عن بعضها البعض ببطء، يستطيع رايش أن يخلق تبايناً موسيقياً يجذب المستمع ويدفعه للتفاعل مع التجربة الموسيقية بشكل أعمق.
رجوعًا إلى بداياته، بدأ رايش بالتجارب على الأشرطة الصوتية، حيث استحدث أسلوبه الأول في “It’s Gonna Rain”، الذي يعتمد على تسجيلات لصوت واعظ وتأثيراته. هذا العمل ألهمه لإعادة التفكير في كيفية تشكيل الموسيقى، مما جعله يستكشف إمكانية استخدام الأسطوانات والتسجيلات السمعية كأداة موسيقية بحد ذاتها. من خلال هذا الإبداع، استطاع أن ينقل عناصر من الحياة اليومية إلى الحياة الموسيقية، مما добавил عمقًا غير عادي لعمله.
الانتقال من الأشرطة إلى الأداء الحي
في السنوات اللاحقة، انتقل ستيف رايش من استخدام الأشرطة والتسجيلات إلى التركيز على الأداء الحي مع الفرق الموسيقية، حيث انتقل إلى الاستجابة للأصوات الحية في الوقت الفعلي. في أعماله مثل “Music for 18 Musicians”، قم بتجميع مجموعة كبيرة من العازفين لإنتاج مزيج موسيقي فريد يعتمد على الأنماط المتداخلة. يعد هذا العمل نموذجاً مثالياً لكيفية دمج التنسيق بين الموسيقيين لإنشاء تجربة موسيقية غنية ومعقدة تستند إلى مبادئ الإيقاع التي طورها.
لم يقتصر تأثير رايش على مجاله التقليدي فقط، بل تجاوز الحدود ليصل إلى فنانين من مجالات موسيقية متنوعة. على سبيل المثال، استلهم العديد من عازفي الجاز والموسيقى التجريبية من أساليب رايش، ووسعوا من نطاق استخدام الإيقاع في أعمالهم. قد لا يُعرف رايش بأنه له تأثير مباشر على موسيقى البوب أو موسيقى الهيب هوب، إلا أن استخدامه للإيقاعات المتعددة والألحان المتداخلة ألهم العديد من المنتجين والموسيقيين في هذه الأنواع المختلفة.
على مر السنين، تعرضت موسيقى رايش للعديد من التحديات والانتقادات، حيث اعتبرها بعض النقاد “مكررة” أو “بسيطة”. إلا أن جمال موسيقاه يكمن في القدرة على استكشاف العمق العاطفي والمعاني الكامنة وراء الأنماط المتكررة. إن قدرة رايش على استخدام التكرار كأداة للتواصل مع الجمهور تعكس عميق رؤيته كفنان وأنه لا يزال قادراً على التجديد والإبداع حتى في مراحل متقدمة من حياته.
التأمل في الزمن والإبداع
مع بلوغه 88 عامًا، تطرق ستيف رايش إلى مفهوم الزمن وتأثيره على عمله وإبداعه. عند التحدث عن كيف أن مرور الزمن يصبح أسرع مع تقدم العمر، يربط رايش بين مفهوم الزمن وإيقاع الموسيقى، حيث يعتبر أن للإيقاع قدرة على التقاط لحظات الحياة والتعبير عن التحولات في الزمن. إن نظرة رايش لهذا الموضوع تعكس الحرص العميق على العلاقة بين الزمن والموسيقى، وكيف يمكن أن يصبح الإبداع مصدرًا للتأمل والتفاعل مع الإيقاع الداخلي للحياة.
تجعل تجاربه في الحياة من موسيقاه أكثر عمقًا؛ حيث ينسج الذكريات والأحاسيس الشخصية في أعماله. من شعور الخوف وعدم اليقين خلال جائحة كورونا إلى التأمل في الماضي والمستقبل، يجد رايش أهمية كبيرة في استمرار الإبداع واكتشاف عناصر جديدة في فنه. هذه الظروف حركت مشاعره وجعلته يعيد النظر في هويته كفنان، وكيف أن الإبداع يوفر له مكانًا للهروب من طاحونة الحياة اليومية.
المشاريع المستقبلية ستحتوي بالتأكيد على هذا الشعور المتجدد بالزمن، حيث يخطط رايش لتقديم عمل موسيقي جديد يواكب احتفاله بعيد ميلاده التسعين. يعكس هذا العزم على الاستمرار في الإبداع التواضع والشغف الذي يتحلّى به، وهذا يضعه ضمن أحد الرموز الخالدة في تاريخ الموسيقى. سيكون العمل الجديد أيضًا بمثابة hommage لكل ما مضى، وبداية فصل جديد في مسيرته الفنية التي ما زالت نابضة بالحياة.
تطور المشهد الفني في نيويورك خلال الستينيات
كانت فترة الستينيات من القرن الماضي فترة مثيرة للاهتمام في مدينة نيويورك، حيث شهدت تحولاً كبيراً في الفنون المختلفة، سواء كانت بصرية أو موسيقية. على مستوى الفنون البصرية، كان هناك رسامون معروفون مثل جاكسون بولوك وويليام دي كونينغ الذين أرسوا أسس التعبيرية المجردة، بينما بدأ الفنانون الشباب مثل روبرت ريشنبرغ وجاسبر جونز في تقديم فن البوب الذي كان له تأثير كبير على الثقافة الشعبية. في هذا السياق، التقى الفنانون والموسيقيون وتعاونوا بشكل وثيق، وهو ما أضفى بعداً جديداً على المشهد الفني في نيويورك.
أما في عالم الموسيقى، فقد كان تأثير جون كيج بارزاً جداً. ترك كيج بصمة واضحة على الكثير من الموسيقيين، حتى أولئك الذين اتجهوا إلى أساليب أكاديمية أكثر تقليدية مثل بويليه وبيريو وشتوك هاوزن. بالرغم من براعتهم، إلا أن موسيقاهم كانت تميل إلى تفادي المعلومات اللحنية والتناغم. كان هذا مشكلة بالنسبة لكثير من الموسيقيين الذين كانوا يبحثون عن تجربة موسيقية أكثر تقليدية وثراء. في هذا السياق، أصبحت أعمال جون كولترين ومايلز ديفيس وكيني كلارك مرجعيات للعديد من الموسيقيين.
من خلال أحداث وابتكارات تلك الفترة، كان من الضروري أن يتبنى الموسيقيون تأثيرات متعددة من مختلف الأصوات والأساليب لتحقيق تطور موسيقي جديد. كانت أعمال مثل “أفريقيا” لكولترين مثالاً على كيفية استكشاف الخيال الموسيقي رغم البقاء ضمن قالب محدد. كانت هذه التجارب تؤكد أن هناك طرقاً متعددة لإبراز التطور الموسيقي بعيداً عن الأنماط التقليدية.
تجارب التعاون بين الفنانين والموسيقيين
كانت فترة الستينيات أيضاً مليئة بالاتصالات والتعاون بين الفن التشكيلي والموسيقى. كانت هناك مساحات متاحة للفنانين والموسيقيين للعمل معاً، مما سمح بخلق تجارب فنية فريدة. قديماً، وضعت بيئة نيويورك ثقافتها كحاضنة لتلك التعاونات حيث شكلت العديد من الأماكن الثقافية مثل متحف ويتني ومؤسسة غوغنهايم، منصات لمثل هذه الأعمال المشتركة. كان التعاون بين الرسامين مثل سول ليويت ورينشارد سيررا والموسيقيين له تأثير كبير على مستوى الاستقبال والاهتمام بالأنواع الحركية التي يقدموها.
مع الوقت، تطور هذا التعاون ليصل إلى مستوى تأسيس مجموعات موسيقية خاصة، وهو ما فعله عدد من أبرز الموسيقيين في تلك الفترة. هذه المجموعات لم تكن تهدف فقط إلى تقديم عروض موسيقية، بل كانت تهدف أيضاً إلى تعليم وتدريب الموسيقيين على أساليب الأداء الجديدة التي كانت تتطلبها الأعمال الحديثة التي كانت تُكتب آنذاك.
على مدار الوقت، أصبح من الواضح أن هذه الأشكال الجديدة من التعاون كانت تدفع كلا الجانبين (الفن والموسيقى) إلى إعادة اكتشاف الأشكال التقليدية والتظاهرات البصرية. كانت هذه الاحتكاكات تتطلب درجة عالية من الانفتاح والتقبل، وهو ما سهل التحولات الكبيرة التي شهدها كل من الفنون البصرية والموسيقية في تلك الفترة.
تأثير الموسيقى الإفريقية والانصهار الثقافي
تعتبر رحلة الموسيقيين إلى أفريقيا وتجاربهم في تعلم الآلات والإيقاعات الإيرانية واحدة من أكثر العمليات إلهاماً في تجديد النغمات الغربية. الولايات المتحدة لم تكن بعيداً عن تأثير الموسيقى الإفريقية التي آتت إليها من خلال التاريخ والهجرة. هذا التأثر كان واضحاً في الأعمال الموسيقية التي تمزج بين العناصر الثقافية المختلفة، مثل تلك التي كتبها مؤلفون أمريكيون تأثروا بالصوت الإفريقي في مؤلفاتهم. كانت هذه المزجيات تمثل تجديداً روحياً على الرغم من الفجوة الجغرافية.
مثلاً، عندما كتب ستيف رايش عمله “Drumming”، كان يهدف إلى التعمق في تجربة الموسيقى الإفريقية ولكن بطريقة تعكس هويته كفنان أمريكي. هذا العمل، الذي تم تقديمه لأول مرة في السبعينيات، تم بناءه على اقتباسات لأشكال الضرب الإفريقية ولكنه انطلق أيضاً من الجوهر الغربي. رايش استخدم أنماط إيقاعية معقدة لخلق حوارات موسيقية، مما جعل هذا العمل تجربة موسيقية متكاملة تجمع بين الثقافتين الإفريقية والغربية.
في مفارقة مثيرة، وجدت موسيقاها صدى في الحركات القلبية التي طرحها الموسيقيون في الغرب، حيث أصبحت طريقة جديدة للتفاعل مع الإيقاعات والمقامات التي تقدمها الألحان الإفريقية. أخذت هذه الأصوات الأبعاد التعليمية، حيث بدأ الكثير من الموسيقيين الغربيين في دراسة وتطبيق الأساليب الإفريقية في عملهم، مما ساهم في تطوير إنتاج موسيقي جديد ومبتكر يظهر ثراء التنوع الثقافي والفني.
هوية الفن والموسيقى في الزمن المعاصر
بينما ننتقل إلى الزمن الحالي، تبرز أهمية الهوية في كل من الفنون والموسيقى في إطار تجديد الانزياحات الثقافية. الفنانين والموسيقيين اليوم لم يعودوا مهتمين فقط بالأشكال الكلاسيكية، بل بدأوا في استكشاف جميع أشكال التعبير الفردية والجمعية. تتطلب هذه الهوية المرنة قدرة على التفاعل مع الثقافات المتعددة والتوجهات المختلفة من جميع أنحاء العالم.
الهوية الحالية تتمثل في تجاوز الحدود التقليدية وتقديم أعمال فنية تأخذ في الاعتبار الجوانب الثقافية والاجتماعية والسياسية. الفنون اليوم ليست مجرد تمثيلات جمالية، بل هي منصات ذات قدرة على الحوار والنقاش حول قضايا مهمة. الفنانين اليوم يتعاملون مع كل شيء بدءًا من القضايا الآنية إلى التحديات التاريخية التي تمثل جزءاً من تجاربهم الخاصة والمشتركة.
تتراوح التجارب بين الموسيقى التي تمزج التأثيرات التقليدية مع الأنماط الحديثة، مما يشير إلى تغير في كيفية إدراك الفن والموسيقى. تظهر الهوية الثقافية من خلال الأداء، والعمل الفني، والتفاعل مع الجمهور، حيث يسعى الفنانون إلى جذب الانتباه وإشراك المجتمع في الحوار من خلال الأعمال التي تعكس الأصوات الحديثة والقصص الجامعية. مما يجعل التعاون والتبادل الثقافي أحد العناصر الأكثر أهمية في تشكيل فنون العصر الحديث.
استكشاف موسيقى التكرار: جاذبية موسيقى “Music for 18 Musicians”
موسيقى “Music for 18 Musicians” تُعتبر واحدة من القطع الأكثر تأثيرًا في عالم الموسيقى الحديثة. هذا العمل, المكتوب بواسطة ستيف رايش, يتميز بتوليفته المعقدة والمتعددة الأصوات والتي تجسد أسلوبه الفريد في التكرار. اعتُبرت هذه القطعة نتيجة لعقود من البحث والتجريب في مستودع الموسيقى الفريدة التي عاشها رايش. فبخلاف الاستخدامات التقليدية للأدوات الموسيقية, في هذا العمل هناك تناغم بين الإيقاعات المزروعة في الآلات الوترية والتنفس العضوي للأدوات الهوائية, مما يخلق أثرًا ديناميكيًا مدهشًا.
من المعروف أن إيقاع موسيقى “Music for 18 Musicians” يعتمد بشكل كبير على تكرار الأنماط وإثرائها بعمق صوتي في الأجزاء المختلفة. فكل عازف يدفع نحو الإيقاع في لحظة معينة, مما يخلق وثيقة موسيقية حية ذات مشاعر متنامية. هذا النوع من الربط بين العناصر الموسيقية يبين كيف يمكن أن تجمع الموسيقى بين الآلات والمشاعر البشرية في تناغم مذهل. وبمرور السنوات, حافظ هذا العمل على جاذبيته, ما أدى إلى بيعه أكثر من 100,000 نسخة في عامه الأول فقط.
أثر النجاح على مهنة ستيف رايش
نجاح موسيقى “Music for 18 Musicians” كان بمثابة نقطة تحول كبيرة في مسيرة ستيف رايش المهنية. هذا النجاح لم يجلب له فقط جمهورًا أكبر, بل أيضًا زاد من الطلب على العروض الحية. ومع ذلك, كان لهذا النجاح تأثير محبط أيضًا, حيث شعر رايش بضرورة التفكير في كل عمل مستقبلي وقدرته على المنافسة مع نجاح هذه القطعة. هذا الضغط الداخلي قد يؤثر سلبًا على الإبداع, حيث يمكن أن تشكل المقارنات مع عمل ناجح عبئًا على الفنان.
انتقلت ردود الفعل والنقد حول العمل إلى موضوعات أخرى, مثل كيفية تفكيك الحدود الموسيقية التقليدية. كانت “Music for 18 Musicians” تجمع بين عناصر من الموسيقى الكلاسيكية, الروك, الجاز والموسيقى الإثنية, مما جعلها قطعة موسيقية تُعتبر حدثًا في زمنها. هذا التنوع أعطى العمل قدرة على تجاوز حدود الفضاء الموسيقي التقليدي, حيث كانت تُعرض في مختلف الأقسام الموسيقية في متاجر التسجيلات.
التحولات الأسلوبية في أعمال ستيف رايش
تحدث ستيف رايش عن الانتقادات التي تعرضت لها أعماله, وخاصة عمل “Music for 18 Musicians”, وكيف اعتبره البعض تحولًا عن أسلوبه minimalism. يؤكد رايش أنه لم يشعر أبدًا بأنه يبتعد عن الأسلوب الذي أسس عليه أعماله, بل اعتبر أن أعماله تطورت بشكل عضوي. كانت رحلته في استكشاف الموسيقى الأفريقية والشرقية قد شكلت قفزة في تصوره للموسيقى, مما أدى إلى دمج تلك التأثيرات في أعماله اللاحقة.
بالإضافة إلى ذلك, كان هناك تحول آخر في عودته إلى جذوره الثقافية والتراثية. بعد أن استلهم من الثقافات الأخرى, بدأ رايش في استكشاف الموسيقى العبرية, مما أدى إلى إنتاجه لعمل “Tehillim”. هذا التوجه نحو التأمل في الهوية الثقافية يعكس طبيعة الفنانين في سعيهم للبحث عن معنى أعمق لأعمالهم. تجذب هذه الأعمال انتباه الجمهور من خلال الطريقة الفريدة التي تم دمج التراث الثقافي في أشكال موسيقية جديدة ومعاصرة.
موسيقى “Different Trains”: القصص المنسوجة عبر اللحن
موسيقى “Different Trains” تبرز كقطعة شعرية موسيقية تعبر عن التجارب الشخصية لرايش في طفولته، بالإضافة إلى التدمير الذي شهدته المجتمعات اليهودية في أوروبا خلال الحرب العالمية الثانية. من خلال الدمج بين سرد القصص والتجارب الذاتية مع حكايات مأساوية تاريخية, يجسد العمل الصراع بين الأمل واليأس. تتضمن الموسيقى أصوات مسجلة لأشخاص عايشوا تلك الأحداث، مما يضفي على العمل بعدًا إنسانيًا عميقًا.
عندما يتحدث رايش عن هذا العمل، يوضح كيف أنه كان يشبه رحلاته بالقطار في طفولته برحلات أخرى كانت محملة بالخوف والفقدان. تعكس الموسيقى الصراعات الداخلية التي عاشها رايش وكذلك تلك التي عاشها الآخرون في ظل ظروف مماثلة. هذا التفاعل بين تجارب شخصية وتجارب جماعية يظهر قدرة الموسيقى على ربط الحكايات الإنسانية في سياق واسع.
الفن الإبداعي ودور المفهوم في الإلهام
في عالم الفن، تكمن أهمية الفكرة أو المفهوم في إلهام الفنان والإبداع. توضح تجارب رايش مع تكليف الأعمال الموسيقية كيف أن الفنانين يرغبون غالبًا في التجريب وبحث عن معاني جديدة. يقوم رايش بشرح كيف أن البداية غالبًا ما تكون الجزء الأكثر صعوبة من عملية الإبداع، حيث يتوجب على الفنان مواجهة ردود فعلهم الذاتية والمشاعر المتناقضة. بمجرد أن يصبح لديه تصور واضح، يمكن للفنان أن يبدأ ببناء عمله بشكل مستقر.
يعتبر هذا النقاش حول الإبداع ضروريًا لفهم كيفية إنتاج الفنانين لأعمالهم وكيف أن العمليات الإبداعية تختلف من شخص لآخر. يُظهر نموذج ستيف رايش مشاكل ومكافآت الإبداع الفني، حيث تظهر أهمية البحث عن جذور الفكرة قبل بدء العمل الفني نفسه. يتطلب الذهاب إلى أعماق الفكر والتأمل لخلق عمل موسيقي يجذب الجمهور ويترك أثرًا.
التطور والإبداع في عالم الموسيقى
تشهد الموسيقى تطورًا مستمرًا ومتغيرًا مع الزمن، حيث يواصل الملحنون استكشاف آفاق جديدة والتفكير في طرق جديدة للتعبير عن أفكارهم ومشاعرهم. يتحدث الملحن ستيف رايش عن تجربته في هذا المجال وكيف استمر في الابتكار حتى في سن متقدمة. على مر السنين، شهدت الموسيقى تغييرات جذرية، حيث انتقلت من تجربة الموسيقى السيريالية التي تمثلها أعمال Schönberg وBoulez، إلى أسلوب أكثر تنوعًا وشمولا يمثله تنوع الأصوات الملحّنة في هذا العصر. قسم كبير من ذلك يعود إلى تأثير الملحنين مثل رايش نفسه وتيري رايلي وفيليب غلاس الذين ساهموا في إعادة تعريف الموسيقى الكلاسيكية وإعادتها إلى جماهير أوسع من جمهور النخبة. يعتبر رايش فخورًا بمساهمته في هذا الاتجاه، حيث يؤكد أن الموسيقى أصبحت أكثر قربًا للناس، مستشهدًا بالملحنين الشبان الذين يتابعون نفس المسار بأصواتهم الفريدة.
التأمل في الدين والإبداع الموسيقي
تتضح التأملات الدينية في أعمال ستيف رايش الحديثة مثل “دعاء المسافر” و”درج يعقوب”، حيث يجد رايش أنه على الرغم من تركيز اليهودية على الحاضر، فإن الفهم العميق للحياة والموت يمكن أن يتأثر بالمعتقدات الدينية. يتناول رايش العلاقة الوثيقة بين الموسيقى والدين، مشيرًا إلى أعمال الملحنين التاريخيين مثل باخ وسترافينسكي، الذين قاموا بإنتاج مجموعة من الأعمال الدينية. بعد أن أصبح في الثمانينيات من عمره، يشعر رايش بأن تجربته الشخصية وحياته المعاصرة تؤثران على إبداعه، مما يتيح له إجراء ابتكارات تقنية جديدة في أعماله. يتناول “دعاء المسافر” بعض المواضيع الدينية الملحة، في حين أن “درج يعقوب” يستكشف الأبعاد الفلسفية والميتافيزيقية للحياة والموت، وقضايا الآخرة في الإيمان اليهودي. يدعو رايش من خلال أعماله إلى التأمل العميق في الواقع الحالي والكيف يمكن أن يشكل تصوراتنا عن الحياة بعد الوفاة.
استكشاف مستقبل الموسيقى والفن
عندما يتحدث رايش عن رحلته الفنية، يمكن رؤية الجدية والشغف تجاه تطور الموسيقى. يتذكر كيف كان المشهد الموسيقي في الخمسينيات والستينيات وكيف أن الكثير من الملحنين في ذلك الوقت ركزوا على الأنماط التقليدية. والنظر إلى الماضي يوفر منظورًا فريدًا حول المكان الذي توجد فيه الموسيقى اليوم، وأين تأمل أن تذهب مستقبلًا. يشعر رايش بالتفاؤل بشأن الاتجاهات الجديدة التي تتبعها الأجيال الشابة من الملحنين مثل كارولين شو، نيكو موهلي، وتيمو أندرس، الذين يقدمون أصواتًا جديدة وأسلوبًا مختلفًا في الكتابة الموسيقية، مما يدل على استمرارية الابتكار في المستقبل. يعدّ رايش هذا الجيل الجديد من الملحنين بمثابة تجسيد لرؤيته حول كيف يمكن للموسيقى أن تعبر عن التجربة البشرية بشكل أكبر، حيث تقدم مجموعة متنوعة من الأنماط الموسيقية والتأثيرات الثقافية التي تعكس واقع العالم المتنوع اليوم.
الجوائز والتقدير في عالم الموسيقى
تتجلى إنجازات ستيف رايش وابتكاراته أيضًا من خلال التقديرات التي حصل عليها عبر العقود. تعكس الاقتباسات التي تبرز “رايش هو أعظم ملحن حي” و”أعماله تعتبر الأدب الأساسي لفرقة الأوركسترا” المكانة التي يحتلها في عالم الموسيقى. يشير رايش إلى أنه يستقبل هذه الإشادات بتواضع، مؤكدًا أنه يحافظ على تركيزه على العمل الإبداعي أكثر من الانشغال بالتقديرات. في خضم كل ذلك، يؤكد رايش على أهمية الاستمرار في العمل وإنتاج الأعمال الجديدة، وترك الأثر الحقيقي في عالم الموسيقى، مشيرًا إلى أن الإبداع يتجاوز التكريمات والجوائز، حيث يعد الإنجاز الفني والمهارة في التأليف وترك صدى مستمرًا في الثقافة هي الدوافع الحقيقية لأي فنان. وفي ختام حديثه، يؤكد بركة هذا المسار ويحث الأجيال القادمة على الاستمرار في الإبداع والاستفادة من إرث الماضي لبناء مستقبل موسيقي جديد ومليء بالإلهام.
رابط المصدر: https://www.npr.org/2025/03/14/nx-s1-5319902/steve-reich-interview-collected-works
تم استخدام الذكاء الاصطناعي ezycontent
اترك تعليقاً